Maquetación de un libro con Indesign.

Introducción

Indesign es la herramienta perfecta para editar textos en grandes cantidades, al mismo tiempo que nos permite tener un control general de los parámetros que confiduran la apariencia de cada página.A continuación se detalla paso a paso un ejemplo de maquetación en el que se ha extraído la arte de un texto de la obra literaria del autor Stanislav Len «Vacío Perfecto» . Se trata de  una colección de reseñas de obras literarias y científicas ficticias que el escritor polaco Stalislaw Lem (1921-2006) publicó en 1971.

 

1. Creación de documento y configuración de páginas.

Primero de todo, tenemos que abrir un nuevo documento en el que pegaremos el texto del libro, pero antes debemos de diseñar las cajas de texto en las que los párrafos serán trasladados a indesign.

vamos a Archivo<nuevo y seleccionamos un formato A5, de mínimo 36 páginas, de sangrado a 2mm, margen superior 21mm, inferior 15,interior 15,, y exterior 15mm.

 

A partir de aquí debemos numerar las páginas a fin que se pueda controlar el orden de lectura. Para ello debemos seleccionar la página maestra haciendo doble clik sobre su panel en la casilla de «páginas».

Debajo del marco de página creamos un cuadro de texto sobre el que mantendremos activado pero aun sin colocar ningún número y seleccionamos en la ventata «Texto»<insertar carácter especial<marcadores<número de página actual.

Esto nos creará una letra la cual debemos dejar sin alterar.Copiamos el carácter especial y lo colocamos en la página derecha, esta vez alieando a la derecha, para que cuadre con la esquina inferior derecha del marco de texto.

Ahora debemos seleccionar ambas páginas maestras y haciendo click derecho , seleccionamos «aplicar a todas las páginas».

 

2.Creación de texto vinculado .Edición  de capítulos

Ahora debemos añadir el texto del libro en nuestro proyecto. Para ellos seleccionamos del pdf  todo lo que nos interesa y con CMD/ CTRL +C copiamos todo.

Podemos configurar el cuadro de texto de cada página dentro del panel de páginas maestras y  ahorrarnos el trabajo de copiar cada cuadro individualmente en cada página. Seleccionamos ambas páginas , click derecho y aplicamos el el cuadro a todas la páginas.Una vez creado cada cuadro de texto en cada página, lo seleccionamos y apretamos CMD+SHIFT para poder editar la caja , ya que la página maestra bloquea la edición de contenido.

Ahora que tenemos las cajas de texto en cada podemos empezar a vincular cada página. Para ello seleccionamos el cuadro de texto de la primera página y su consecutiva. Vamos al panel «ver» y selecionamos «extras»<mostras enlaces de texto. Esto nos permitirá enlazar cada cuadro de texto para que al pegar todo el contenido de nuestro libro se pueda editar como un solo bloque.

Para que se vaya vinculando cada página con su siguiente, hay que hacer click en la pestaña de la esquina inferior derecha de la primera y mover el cursor hacia la pestaña de la esquina superior derecha de la página siguiente. Tiene que aparecer también un icono con forma de doble eslabón donde se aplique el vínculo.

Una vez que están todas las cajas de texto vinculadas, podemos pegar el texto.Seleccionamos la primera página y activamos la casilla de texto, a continuación clicamos CMD+ V para pegar el contenido.

3.Edición del texto y Creación de notas a pie de página.

Una vez está nuestro texto, debemos separar cada capítulo de manera que se empiece por la página de la derecha, dejando la de la izquierda vacía. Es importante  saber el número de páginas para añadir o quitar en caso que no nos quede más espacio y quede texto dentro del marco sin poder verse.El nombre del capítulo y el título de la de éste empezará en la mitad de la página, donde también aparecerán las notas a pie de página.

En las páginas maestras escribiremos el nombre del título de la obra en la esquina superior izquierda de la primera página y el nombre del autor en la esquina superior derecha en la segunda página.

La edición de Kerning para ajustar la longitud y distribución del texto a lo largo de todo el proyecto es de suma importancia. Este parámetro se encuentra en la casilla de edición de Carácter en el panel Texto<carácter , siendo el segundo icono izquierdo del panel. El Kerning actúa sobre pares de letras concretos ( la,p,to,tr,ta,tv,te,ty,wa,we).Por defecto mantendremos el Kerning en modo «métrico».

NOTAS A PIE DE PÁGINA.

Para añadir notas a pie de página primero debemos crear un estilo de carácter para el número que señalará el término que queremos explicar a pie de página. Para ello vamos a Ventana<estilos<estilo de carácter.Luego creamos un cuadro de texto aparte donde escribiremos un número y un párrafo que serán los referentes para aplicar los estilos de carácter y de párrafo respectivamente.En el párrafo podemos escribir cualquier cosa, solo nos importará darle un cuerpo y tipo de fuente diferente al del texto del libro.

En este caso al  párrafo  le he dado un cuerpo de 10 pt y una fuente Adobe devangari italic medium. Al carácter numérico le he dado  un cuerpo de 8pt de fuente «charter» en estilo Black italic. Una vez que hemos guardado los estilo dentro del panel, ya podemos configurar las notas a pie de página.

Para crear las notas a pie de página, vamos al panel Texto<opciones de nota al pie de página del documento… y configuramos la nota de la siguiente manera:

estilo: 1,2,3,4. / reiniciar numeración cada= sección/ referencia de nota a pie de página/ prefijo= espacio fino/sufijo=]/ posición= aplicar subíndice/ estilo de caracter= abrir panel carácter y párrafo.

ahora ya tenemos configurado el estilo de carácter y de párrafo de manera que automáticamente, podemos añadir notas y cualquier página con los estilos ya que habíamos creado previamente.

Ahora podemos ir a cualquier palabra de nuestro texto y agregar una nota.Lo hacemos con el cursor a la derecha de la palabra y vamos a texto<insertar nota al pie de página.

debemos estar alerta sobre la separación entre notas a pie de página y la separación de éstas respecto al texto. Aqui se enseña el panel de configuración donde se le da una medida específica a cada parámetro en la zona superior del panel.

 

Secciones a pie de página

Para que no se nos enumeren las notas desde la primera página donde hemos empezado a crear la notas, sino que sean  independientes por cada capítulo, debemos seleccionar la casilla de páginas y hacer click derecho en la página donde está cada capítulo. Vamos a «opciones de numeración  y sección» y  activamos la primera casilla » iniciar sección».

 

4. Exportación del documento.

Ahora que tenemos todo el texto editado , podemos guardar todo y exportar para llevarlo a imprenta. Para ello vamos a archivo<empaquetar. Seguimos los pasos, en caso que qieramos añadir información extra sobre algunas instrucciones que sean útiles para el personal de impresión. En este proceso se guarda  la configuración de las fuentes y en caso de haber creado el archivo en una versión anterior a Indesign CC, tendremos que crear una versión compatible para las versiones anteriores en aso que en la imprenta o esté instalada la versión con la que hemos creado nuestro proyecto. Este archivo de intercambio se llama DML, y es imprescindible que esté en el proceso de empaquetado.

Primero guardamos el documento como DML y luego empaquetamos.

 

Ahora ya estamos listos para poder llevar el documento a impresión.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

CREACIÓN DE FIGURA CON HERRAMIENTA MALLA EN ILLUSTRATOR

 

Gracias a la herramienta malla es posible obtener transiciones entre colores muy sutiles y al mismo tiempo conservar la nitidez y resolución que nos ofrece la imagen vectorial.A continuación explicaré el procedimiento para recrear la imagen de una manzana con la herramienta malla a partir de una fotografía.

PASO 1.CREACIÓN DE UN DOCUMENTO E IMPORTACIÓN DE IMAGEN.

Primero de todo creamos un documento nuevo en Illustrator .Usamos un formato A4, en el cual colocamos la imagen de una manzana que hemos descargado en internet( usamos el comando Archivo<colocar), e incrustamos la foto.

Una vez que tenemos la imagen, creamos una nueva capa sobre la cual trazaremos el contorno de la manzana , la hoja y el tallo con la herramienta pluma(P).

PASO 2. CREACIÓN DE MALLA EN LOS CONTORNOS

Una vez hemos contorneado las partes de la manzana activamos la herramienta Malla ( tecla U), con ella seleccionamos diferentes partes del trazado al que iremos colocando varias zonas de intersección entres lineas horizontales y verticales. Es posible que la propia herramienta interprete la forma redondeada de la manzana como un volumen y cree curvas que recreen esta forma.

Hay que tener en cuenta que por defecto el relleno del contorno al activar la malla es blanco.Para que no haya color y poder añadir los colores de la foto, hay que poner la opacidad del contorno a 0%. Asi podremos seguir colocando puntos de malla y al mismo tiempo seleccionarlos con el color de la foto.

Una vez tenemos los puntos que nos interesan con un volumen semejante a la foto, seleccionamos la forma y le damos un color general sobre el que iremos ajustando el color punto por punto con la Malla.Para ello seleccionamos con  herramienta Selección(V) y con la herramienta cuentagotas(I) ,escogiendo un color promedio de la manzana.

Luego ya podemos empezar a seleccionar cada punto de la malla con selección directa(A) e ir ajustando el punto de la malla al color del área similar de la imagen original para  obtener el color deseado.

Con el punto seleccionado,se nos aparece un punto de ancla sobre el que podemos mover la malla y al mismo tiempo hacer que el nuevo color se genere en ese punto.Para ello cogemos el color de la imagen original con el cuentagotas(I).

Procedemos a colorear  todos los puntos que creamos convenientes en cada elemento de la manzana y al mismo tiempo podemos ir moviendo los puntos de la malla( con la selección directa «A») para ajustar el área de color creada.

 

PASO 3. CREACIÓN DE PUNTOS Y SOMBREADO EN EL SUELO.

Una vez tenemos el degradado de las formas, trazamos los puntos o pecas de la manzana. Para ello creamos una capa nueva en la que trazamos cada punto con la forma elipse (L) en la que luego podemos modificar sus puntos de ancla con la  herramienta selección directa(A).Añadimos luego las sombras de los puntos duplicando cada forma y dándole un color de relleno rojo oscuro al mismo tiempo que colocamos todo este grupo hacia atrás para que no nos tapen los puntos claros.

Una vez tenemos todos los puntos, seleccionamos todo el conjunto y los agrupamos. Luego vamos a EFECTO<Desenfocar<Desenfoque Gaussiano y seleccionamos un nivel de 0,8 .

ya tenemos nuestro grupo de pintitas en la manzana, ahora falta crear la sombra en el suelo.

Para crear la sombra en el suelo, debemos crear primero una elipse con la forma Elipse(L) y la colocamos debajo de la manzana .Luego le damos un relleno de color negro y luego un efecto de Desenfoque Gaussiano.

En esta sombra podemos añadir otras elipses más pequeñas para cada parte de la base de la manzana donde tenga apoyo ,así daremos un realismo más acurado.

Colocamos la elipse detrás(  clic derecho<Enviar atrás) de la forma de la manzana para que sólo ocupe la sombra en la base de la figura.Ahora ya tenemos la figura creada y lista para exportar como imagen vectorial.

 

CONCLUSIONES.

la Herramienta Malla es muy útil para conseguir efectos realistas basándonos en fotografías.Hay que ser paciente y riguroso para obtener los colores adecuados en las áreas donde hay volúmenes que cambian de color en las zonas donde actúa la Malla.Es necesario plantear primero un color de base para empezar a añadir el resto de degradados.

 

 

 

 

 

CREACIÓN DE UN CARTEL A UNA TINTA EN ILLUSTRATOR.

Illustrator es una herramienta capaz de sintetizar eficazmente cualquier fotografía y obtener trazados fácilmente con la herramienta Calco. A continuación se detalla paso a paso la creación de un hipotético cartel publicitario a una tinta  inspirado en la publicidad de principios de siglo XX.

Paso1.Selección de Imagen y Calcado a una tinta.

Para empezar,  Creamos un documento en Illustrator tamaño A5.A continuación hay que introducir una imagen previamente seleccionada para usarla como elemento principal. En mi caso quise un retrato frontal de un busto femenino con larga cabellera.Luego se incorpora la imagen en Illustrator con : Archivo<colocar> abrir desde ubicación .

A partir de aquí, tenemos que incrustar la imagen en el documento y buscar el panel Calco en la sección Ventana.

Dentro de Calco, seleccionamos el modo» blanco y negro» y «umbral» por la mitad .Luego ajustamos los parámetros de ajuste de trazado,bordes y ruido hasta obtener una silueta con los rasgos característicos de la modelo.Hay que activar la opción «previsualizar».

 

Paso 2. Creación de marco rectangular, ovalo, y cuadro para textos.

Una vez hayamos creado la imagen,la colocamos en el centro del documento, ajustando su tamaño en proporción.

He  buscado un marco rectangular en una Fuente de texto , por lo que la he añadido al documento con la herramiento texto y luego he apretado la tecla con una letra .la cual contiene esa forma. Luego he seleccionado en la ventana «Texto» <crear contornos.

Una vez creado el contorno del marco ,vamos a Objeto<Expandir y ya lo ajustamos en tamaño hasta que cuadre con nuestro documento.

Luego creamos los ovalos que irán alrededor de la figura.Hay que tener en cuenta que cuando se crea el calco de la figura, la parte que aparece en blanco en de un color sólido de relleno, por lo que sólo nos quedaremos con el color negro.Para quitar el blanco, seleccionamos la figura. Vamos a Objeto<Expandir y luego usamos la herramienta de selección directa y seleccionamos las áreas blancas de la figura  y las borramos con «delete».Así sólo nos quedaremos con la parte negra de la silueta.

Paso 3.Creación ,edición de texto y ornamentos decorativos.

una vez tenemos los ovalos y el marco principal, creamos el texto que nos dará la información del evento.( Nombre de la obra,fecha, y lugar), así como un color base que será a partir de un rectángulo  de color que irá en una capa independiente debajo del resto de capas.

Para ello he usado una tipografía acorde al estilo modernista, para la cual he tenido que modificar parte de sus formas en los bordes para poderlos calzar con las formas del ovalo y así crear una unidad general.

La edición de texto se crea seleccionándolo y luego «creando contorno «en el panel de Texto.También , una vez creado el contorno podemos ir a Objeto<expandir, para crear unidades independientes de edición por cada palabra, en caso que veamos que hay demasiados puntos de ancla.Así , sólo hay que calcar la letra en una capa nueva con la herramienta pluma, para tener  un duplicado con menos puntos.

Paso 4. Decoración con motivos ornamentales.

En esta etapa, la composición ya está casi terminada, pero queda dar un poco más de dinamismo a los huecos que quedan entre la figura principal, el marco y los textos,por lo que he buscado una fuente con formas ornamentales para colocar alrededor del ovalo y dentro de los planos negros con el texto.

Para ello usamos el mismo procedimiento que la creación del marco rectangular:

1.Creación de una caja de texto con la forma ornamental que es una letra de texto.

2.Seleccionamos  letra,vamos a Texto<crear contornos.Vamos a Objeto<Expandir.

3.Seleccionamos la forma y la duplicamos varias veces ,alterando su tamaño y volteamos ligeramente cada replica.

Una vez que tenemos varias copias en varios tamaños, las  seleccionamos y agrupamos.

Duplicamos el nuevo grupo manteniendo  pulsando  ALT y arrastramos la nueva copia al lado derecho del  marco ovalado.

Seleccionamos la copia del grupo y haemos click derecho: Transformar> reflejar.Ya tenemos una copia en simetría de las formas.

Repetimos el proceso con nuevas formas en el contenedor de texto en la parte inferior.

Resultado final  y conclusiones.

La edición y diseño en Illustrator es muy flexible gracias a las herramientas Pluma,expandir,y agrupar. Con estos recursos se ha mantenido un flujo de trabajo que ha permitido crear una composición con elementos simétricos a la vez que ha conservado un aspecto sencillo al usar sólo el negro y el color base.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

CREACIÓN DE UNA IMAGEN VECTORIAL A 4 TINTAS EN ILUSTRATOR

 

Usando como referencia la obra de Obey, el reconocido artista norteamericano que ganó fama mundial al crear el cartel para la candidatura presidencial de Barack Obama,he elegido una fotografía de Picasso para crear esta imagen,usando la misma paleta de color creada por este artista.

Paso 1. Selección de imagen y  menú de Calco interactivo.

Para comenzar creamos un nuevo documento en Illustrator de tamaño A4.Seleccionamos la imagen que queremos vectorizar y limitar a 4 tintas.Vamos a Archivo< colocar: en este caso es un retrato de Picasso en blanco y negro. Para poder crear zonas de contraste suficiente con las que se puedan emplear las cuatro tintas, hemos llevado previamente la imagen a Photoshop y ajustado los niveles,obteniendo así zonas de gris medio y oscuro para que se pueda crear una zona intermedia de claroscuro y asi Ilustrator pueda crear la primera versión de cuatro colores.

Una vez tenemos la imagen en el documento seleccionamos INCRUSTAR.Ahora podemos empezar a crear el calco.

 

Paso2. Creación de calco

Una vez tenemos la imagen incrustada en el documento, vamos a Ventana y seleccionamos Calco, que es un panel de opciones de calco con el que obtendremos la imagen previa a 4 tintas sobre las que vectorizaremos la imagen.

Tenemos que seleccionar  el modo COLOR ( lo ponemos a 4 colores en el deslizador) y en Opciones Avanzadas , ajustamos el detalle del calco así como la angulosidad de los bordes.Tenemos que activar la opción de previsualización.

Nos deberá quedar una imagen similar a este resultado sobre el que crearemos los trazados de los 4 colores en diferentes capas:

 

Paso 3. Creación de trazados en capas.

Una vez tenemos la imagen con el calco a 4 tintas, empezamos a trazar en una nueva capa las zonas oscuras con un color azul oscuro, manteniendo los límites de los bordes que se han creado ,pero sin definir los detalles.Previamente tenemos que bloquear la capa de la imagen original para que no se nos mueva accidentalmente.

Repetimos el proceso de calco para el resto de las areas más claras usando diferentes capas de trazado para cada color.

Una vez que ya hemos completado el trazado para cada zona de color,podemos establecer un orden de colores según el interés personal,en mi caso he decidido basar mi gama en los colores de Obey pero cada uno es libre de utilizar los que quiera.

Paso 4. Creación de marco de colores y texto.

Una vez trazadas la areas de color en diferentes capas vamos a crear dos rectángulos: uno azul medio y uno rojo.

Luego creamos un rectángulo azul oscuro que será nuestro color de base sobre el que colocaremos el texto.

Una vez que estén los rectángulos alineados en el documento, debemos jerarquizar la distribución de capas, colocando los rectángulos en las capas inferiores de la lista.

Ahora podemos escribir el texto debajo de la imagen.En este caso Escribiré CUBISM, el estilo que caracterizó a Picasso durante su vida como artista.Otro detalle es que la zona de color claro no la he querido trazar como el resto de las formas, sino crear un polígono que se quede debajo de las areas de color de la forma de Picasso,relacionándolo con la idea del texto, y así crear un contraste de color y de forma.

Conclusiones

La herramienta de calco de imagen es un recurso muy útil para sintetizar fotografías u otras imágenes y así obtener lo esencial para poder trazar en Illustrator.

Hay que tener en cuenta previamente las limitaciones que tiene trabajar con 4 tintas para establecer los valores tonales que servirán para crear el contraste esperado en la imagen.

 

 

 

CREACIÓN DE IMAGEN VECTORIAL CON ILLUSTRATOR.

 

Illustrator es un programa capaz de perfilar contornos de color de manera precisa y muy flexible gracias a las herramientas de trazado de contorno como la pluma y los pinceles vectoriales.En este proyecto se recopila el proceso de trabajo para crear una ilustración basada en una imagen del artista norteamericano Roy Lichtenstein,todo un referente en el arte pop de los años sesenta, que incluso a día de hoy sigue teniendo influencia.

PASO 1. CREACIÓN DE DOCUMENTO Y COLOCACIÓN DE IMAGEN.

Abrimos Illustrator y creamos un nuevo documento en el cual colocaremos la imagen original de Roy Lichtenstein.Para ello vamos a archivo<nuevo , seleccionamos el tamaño( un A4 es lo ideal para tener margen de maniobra para ampliar la imagen).

Una vez creado el documento vamos a Archivo< Colocar, y se nos abrirá el menú con la ubicación de la imagen para poderla añadir al documento y la seleccionamos.

Una vez colocada la imagen, podemos primero seleccionar con la herramienta «cuenta gotas «,todos los colores que hay en la imagen y cada muestra de color la debemos arrastrar desde el panel de herramientas al panel de muestras.

Tenemos que activar la imagen con  la herramienta de selección presionando en la imagen.En el panel de capas tenemos que seleccionar la que tiene la imagen y bajar la opacidad al 50%. Luego bloqueamos la capa para que se nos mueva al calcar.

2.CREACIÓN DE TRAZADOS CON RELLENO Y MASCARAS DE RECORTE CON AGRUPACIÓN DE TRAMA.

Podemos distinguir en la imagen unas zonas de la imagen( en la pared un una almohada), con un relleno de puntos de colores.Este recurso se usó mucho en el pop art para dar dinamismo y contraste sobre los planos de color. Para este proyecto se detalla el proceso en el que se integra esta trama dentro de un área de trazado.

Primero creamos una capa nueva y le damos el nombre «Piel», sobre la que empezaremos a trazar el contorno facial, con la herramienta pluma nos guiamos de la imagen original para seguir los trazados.

Seguimos con todo el contorno facial y una vez terminado debemos crear una capa nueva que contendrá un cuadrado negro sobre la que irán montados todos los trazados de color.Esta capa se colocará debajo de todas las de trazado, pero encima de la imagen original.

3.RECORTE DE TRAZADOS ENCIMA DE UN AREA DE RELLENO

Este apartado se usa en todas las fases de trazado de relleno donde aparecen zonas de color negro en las que es necesario que se vea sólo el color negro de la capa que hemos creado, por lo que estas áreas de contorno deben hacerse transparentes.

Para esto utilizaremos las opciones del panel BUSCATRAZOS, el cual nos permite seleccionar más de un trazado y combinarlo de manera que sólo se queden visibles los trazados que están superpuestos en orden descendente dentro del panel de capas. Por eso es importante que los trazados que se perderán deban seleccionarse junto con el trazado de relleno que «albergará los que se pierdan», y luego ser «llevados hacia al frente» ( esto se hace con click derecho<organizar<traer al frente).

En este ejemplo se pueden ver el proceso:

Aqui creamos unos trazados para que se quiten de la piel.Una vez creados seleccionamos los dos y luego seleccionamos también el trazado de relleno de color piel.

Usamos el segundo icono del Buscatrazo , que es la opción» restar», con la que los trazos negros quedarán extraidos del trazado de la piel y se verá el color negro de la capa inferior. Esta Técnica debe emplearse en todas las zonas de relleno donde aparezca color negro como fondo,incluyendo contornos del cabello,paredes, suelo,cuadros,la cama y el busto.

4.CREACIÓN DE UNA MÁSCARA DE RECORTE CON TRAMA DE PUNTOS.

Para empezar, debemos seleccionar el área de la imagen donde hay una trama de puntos.En este ejemplo usaremos la forma del cojín  de  trama de puntos rojos para explicar el procedimiento.

1.Creamos un círculo que se calca de la trama de puntos en la imagen original con la herramienta de forma (L). Pulsando ALt +Shift, se mantiene una forma proporcional y con origen de escalado en el centro del círculo.

Luego duplicamos el círculo seleccionando el primero y con Alt pulsado, arrastramos el nuevo círculo hasta la posición del círculo siguiente en la imagen de referencia. Luego Apretamos Cmd+D para repetir la acción tantas veces veamos que hay círculos repetidos.

Una vez tenemos una fila de círculos,seleccionamos todo y con Cmd+ G, agrupamos todo. Luego seleccionamos el grupo y con ALt pulsado , arrastramos el nuevo grupo hacia la fila de círculos al lado del primero, calzándolo con la imagen de origen.

 

Creamos tantas repeticiones como puntos haya en la imagen original y agrupamos todo el conjunto de puntos.

Luego hacemos una trazado que rodee la forma del cojin.

Una vez creado , seleccionamos primero el grupo de puntos y luego el trazado del cojin. Con ambos seleccionados. hacemos click derecho con el mouse y seleccionamos » crear máscara de recorte». Esto hará que todo el grupo de círculos se introduzcan dentro del trazado del cojin, descartando la visibilidad de los círculos que han quedado fuera de la forma del cojin. Se puede observan que el color de la forma del cojin desaparece, por lo que hay que seleccionar con «selección directa(A)» el trazado del cojin y elegir un color de relleno para que se vea el efecto creado.

Una vez ya tenemos la máscara creada podemos cambiar individualmente el color y posición de cada elemento de la misma.

Ahora queda completar los contornos de la figura y el fondo de la habitación usando estas dos técnicas al mismo tiempo que hay que vigilar que los contornos calcen con la imagen original y al mismo tiempo ir visualizando los resultados sobre el fondo de la capa negra.

5.TRAZADO DE FIGURA Y FONDO.

Completamos los trazados que quedan vigilando que los colores de relleno sean los que hemos agrupado en el panel de muestras, ya que la capa original tiene poca opacidad y puede que en algún momento queramos utilizar esos colores para ahorrar tiempo , lo que supone un error.Cada parte de la ilustración debe ir en una capa nueva con su nombre correspondiente para evitar confusión y facilitar su  visualización en el panel capas.

Al final debe quedar una imagen muy similar al original de Roy Lichtenstein.

 

CONCLUSIONES

Con la herramienta pluma, el panel buscatrazos y la máscara de recorte es posible obtener unos resultados muy satisfactorios con imágenes de colores planos. Es conveniente practicar con las curvas Bezier de la pluma y generar el mínimo de puntos para que las curvas se vean lo más naturales posible.

Este proyecto me ha servido para ganar práctica con la pluma y entender la jerarquización de  las capas en Illustrator.

 

 

 

 

 

 

ILLUSTRATOR . Cuadrícula con cuadrados alineados.

Cómo Alinear cuadrados en Ilustrator para crear patrones.

1.Creamos un documento de 275x275mm  modo de color RGB. con 2mm de sangrado.

2.Una vez está el documento listo, vamos al panel VER> reglas> mostras reglas.Ahora crearemos guías verticales y horizontales para una hacer rejilla cuadrada donde colocaremos las figuras que se alinearán.

Estas guías se colocan en una capa nueva ,desde el borde izquierdo del documento a 20 mm de distancia con una guía vertical. Luego se crea un patrón de guías verticales desde la anterior de 25mm con la siguiente separada por 5mm. Repetimos el proceso hasta llegar al borde derecho del documento con 20mm de separación.

Luego creamos la misma distribución de guías pero de manera horizontal, respetando las distancias.

3. Una vez tenemos la cuadrícula, creamos cuatro cuadrados de diferentes medidas y colores de mayo a menor tamaño. Con estas figuras crearemos el patrón situando cada cuadrado en la cuadrícula del documento. Las medidas son: 25x25mm,15x15mm,10x10mm y 5x5mm.

4. Empezamos creando una capa nueva y a colocar el cuadrado mayor en  todas la zonas de intersección de las guías del documento. Para ello seleccionamos el cuadrado y con ALT pulsado, arrastramos la nueva figura duplicada a la  primera casilla de guías en la esquina superior izquierda. luego con CMD +D duplicamos la figura manteniendo las distancias entre los cuadrados.

5. Alineación de figuras

Ahora tenemos que crear una capa por cada  figura cuadrada y en ellas tenemos que hacer el mismo procedimiento de duplicar para tener colocadas todas las figuras.

Una vez puestos todos los elementos, crearemos un patrón ritmico mediante la alineación de las figuras con los ajustes de ALINEAR , una herramienta  que nos ayuda a disponer de manera horizontal,centrada,vertical y lateral cualquier elemento que se seleccione con uno o más, tanto en una misma capa u otra diferente.

Creamos un esquema de distribución para cada cuadrado, seleccionando el cuadrado de 25 mm con el de 15mm , el de 15mm con el de 10mm y el de 10mm con el de 5mm.Con la herramienta Alinear, cada figura seguirá un patrón de movimiento en sentido horario y antihorario , al mismo tiempo que en cada fila ,cada figura lo hará de izquierda a derecha en sentido descendente.

Para cada alineación seguimos el siguiente esquema:

6.El primer movimiento entre  el cuadrado de 25mm y el de 15mm.

Vemos que el cuadrado de 15mm ha ido girando en sentido antihorario , de izquierda a derecha , bajando luego en zigzag de derecha a izquierda en la segunda fila y así sucesivamente.

7.Ahora bloqueamos la capa de los cuadrados de 25 mm,y sólo moveremos la nueva capa con las figuras de 10 respecto a las de 15mm , en sentido horario, en zigzag de izquierda a derecha en sentido descendente.

8. Por último, movemos ahora alineando los cuadrados de 5mm respecto los de 10mm de la misma manera que los anteriores y finalizamos el proyecto.

 

 

 

 

 

 

CREACIÓN DE UN MATTE PAINTING(parte II)

PROCESO DE TRABAJO

En este proyecto he querido plasmar un entorno futurista, que albergara un espacio interior y al mismo tiempo que se integrara con un fondo al exterior.

Mi inspiración recae en la estética de las películas de ciencia ficción como Blade Runner,Star wars y Matrix.

A continuación haré una descripción de los pasos que he seguido para realizar este trabajo:

1.SELECCIÓN DE IMÁGENES.

Como ya sabemos, es necesario hacer una búsqueda exhaustiva  de imágenes para ir recolectando y seleccionando.En mi caso, al optar por una temática de ciencia ficción, mis imágenes se han ido centrando en un entorno industrial,aeroespacial y ferroviario.

 

2.BOCETOS PREVIOS.

En esta etapa es necesario visualizar el espacio compositivo para hacerse una idea de donde colocaremos las imágenes con sus respectivos claroscuros.He hecho unas pruebas en photoshop y algunos bocetos esquemáticos.He optado por usar un solo punto de fuga ya que así se obtiene una profundidad clara y sencilla.

Al final he elegido el boceto de la esquina inferior izquierda para empezar a calzar las imágenes en el proyecto.

 

3.CREACIÓN DEL DOCMENTO DE TRABAJO.

Creamos un nuevo documento en Photoshop de tamaño A4 apaisado de 300ppp de resolución en modo RGB.

A continuación colocamos el boceto que hemos escogido.Vamos a Archivo>Colocar> ubicamos el archivo y seleccionamos Abrir.

4. COLOCACIÓN DE IMÁGENES

Una vez hemos colocado nuestro boceto como guía, procedemos a insertar las imágenes que nos irán guiando para empezar a componer.Para ello seleccionamos las que nos servirán de suelo,de pared de techo de fondo y otros elementos de complemento.

 

5.AJUSTE DE TAMAÑOS  Y ESCALA

Una vez tenemos las imágenes plantadas y claramente definidas ara cada área que ocupará en nuestro documento, procedemos a limpiar las zonas en las que sólo aparecerá lo que nos interesa.Para ello usaremos la herramienta pluma para ir perfilando las figuras que nos interesa extraer de cada imagen.Luego ajustamos los tamaños con CRTl/CMD+ T ya sea distorsionando o cambiando la perspectiva para que se integren en  el esquema de perspectiva que tenemos.

 

Una vez ya hemos hecho la limpieza de las imágenes,añadimos los elementos que darán el sentido a la escena.Para ellos he incorporado una imagen de maquinaria industrial y unas naves espaciales. También he añadido unas figuras alargadas para dar continuidad a la capa que forma el techo, con ello se integra mejor en la perspectva.

 

6.AJUSTES DE LUMINOSIDAD Y COLOR.

Cuando ya tenemos todos los elementos de la imagen teneos que empezar a equilibrar las zonas de luz y de sombra. En este caso, tenemos unos focos bien definidos que vienen desde la zona izquierda y también con menos intensidad desde el fondo.Además hay que buscar que todas las capas tengan una uniformidad con sus color.Para todo ello agregamos capas de ajuste en cada capa. Las que usaremos para las luces serán la de Niveles en modo máscara invertida, demanera que solo pintaremos las luces de manera selectiva. Lo mismo con el color, seleccionamos la capa capa de ajuste Equilibrio de color para normalizar todos los elementos y dar unidad a todo el trabajo.

 

 

7. AJUSTES GENERALES DE ILUMINACIÓN.

Una vez hayamos ajustado los valores individuales de luz y color de cada capa y tengamos una escena mas uniforme, procedemos a dar un ajuste global de la escena.Para ello creamos una capa nueva que contenga todos los elementos con  Shift+Alt+CMD+E.Esto crea una imagen con la que daremos la atmósfera de luz coloreada en zonas puntuales.Para ello vamos a Filtro>interpretar>efectos de iluminación. y seleccionamos ajuste predefinido «Blue Omni».Esta opción de iluminación no da una capa general de un solo color que luego puede ajustar su radio de luminosidad , asi como su intensidad y opacidad.Una vez hayamos definido los parámetros que nos sean convenientes, clicamos el icono de OK para que se aplique el efecto en la capa.Hay que dejar la capa en lo más alto de la lista para que se superponga con las demás. Para que el efecto de iluminación se integre en el proyecto ,bajamos su opacidad y relleno por debajo del 60%.

Ahora queda  añadir un poco de movimiento y textura en la escena final. Para ello he creado tres capas con  imágenes de niebla y las he agrupado.A cada una le he añadido una máscara de capa con la que he ido ajustando las zonas visibles ,ajustando su contorno y opacidad.Luego he añadido una capa de textura metalizada en todo el formato para dar un ligero desenfoque y al mismo tiempo obtener uniformidad. La he dejado en modo de fusión Multiplicar y a un nivel de opacidad debajo del 70%.

 

8.CONCLUSIONES.

En este proyecto he podido aprender a manejar con más soltura que el anterior los ajustes del filtro de iluminación.Hay diferentes puntos de Luz que modifican significativamente el aspecto general de la imagen,con lo que es necesario pasar un tempo explorando los ajustes y el efecto que producen para relacionarlos correctamente con nuestra idea.El preajuste lumínico «Blue Omni» maneja muy bien el control general del color  en la escena.

Ha sido interesante la búsqueda de recursos visuales, sobretodo de fotos de maquinaria industrial.En cada imagen seleccionada existe una historia acerca del origen de ese lugar.En muchos casos las perspectivas que han servido para este proyecto provienen de fábricas abandonadas durante la crisis.Espero poder seguir aprendiendo nuevos métodos y  mejorar en el campo de esta maravillosa técnica.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PROYECTO PERSONAL : CREACIÓN DE UN MATTE PAINTING CON PHOTOSHOP

 

INTRODUCCIÓN

Son muchos los recursos para poder obtener imágenes que se ajusten a nuestro trabajo, Internet nos ofrece una batería de información muy rica aunque también puede contar nuestras propias fotografías, trozos de revistas , libros,portadas de discos,posters,etc.

Las temáticas a realizar también pueden variar según el género que se quiera representar: Ciencia ficción,futurismo apocalíptico, pasado histórico, paisaje tenebroso,y muchos otros que salen de combinar con astucia diferentes elementos.

Para empezar hay que crear un boceto que servirá para orientar los elementos principales: masas, tonos y lineas.En mi caso busco una escena vertical con un punto de fuga desde la derecha, y con una luminosidad que se origina en la esquina superior izquierda y atraviesa en sentido diagonal descendente todo el formato.

Primeros bocetos compositivos, búsqueda de puntos de luz y contraste.

Segunda prueba.Los arcos dan la sensación de profundidad y la dirección de la luz desde el cielo ya orienta el conjunto de la composición.

 

1.EDICIÓN Y SELECCIÓN DE IMÁGENES EN INTERENET

En esta etapa , se seleccionan las imágenes que darán un contexto general donde se pueda identificar cada elemento por separado y al mismo tiempo darle un sentido unitario a todo el grupo. Yo he querido conseguir un efecto de una atmósfera antigua , algún ambiente con ruinas arqueológicas que evoque cierta soledad y misterio, también abandono.

 

CREACION DEL DOCUMENTO

Una vez hayamos hecho una busqueda amplia de imágenes tenemos que dar forma a nuestra composición.

Para ello comenzaremos creando un nuevo documento en Photoshop. Tendrá 300 pixeles de resolución y formato vertical A4.Una vez creado , colocaremos el boceto a escala para que concuerde con las dimensiones antes determinadas.

cuando pongamos nuestro boceto hay que colocar las imágenes de nuestra librería personalizada en el documento sin importar de momento en recortarlas o escalarlas.

Esto nos dará una idea de como conseguir integrar esas imágenes en una unidad, a veces podemos tener elementos que nos pueden interesar mucho, pero su posición perspectiva no favorece su uso en la imagen general, por lo que hay que descartarlo y buscar una imagen similar que consiga lo máximo posible adaptarse a la dirección y la luz planteada.

ESCALADO/TRANSFORMACIÓN DE ELEMENTOS

Una vez hemos situado cada parte de las imágenes en una zona del formato es hora de ajustar su tamaño y perspectiva o inclinación en el esquema general.Para ello usamos  seleccionamos la imagen en su capa correspondiente y clicamos Ctrl/ CMd T =(Distorsionar)( persprectiva).Con estos podemos adeccuar cada capa de manera que obtengamos una profundidad espacial,

También hay que limpiar la imagen, es decir, las areas que no se usaran no pueden usarse. Para ello usaremos la goma ( tecla E) y borraremos con cuidado los contornos de la figura usando un tamaño de pincel debajo de los 100 px y con opacidad del 30% para no marcar bruscamente los recortes del borde.

Repetimos los pasos para todas las imágenes hasta conseguir tener lista la composición general. Aun hay que ajustar los colores de cada capa ya que cada iágen esta tomada con unas condiciones lumínicas diferentes , por lo que resultará necesario usar controles de ajuste específicos en cada capa.

AJUSTES DE LUMINOSIDAD/COLOR.

Para este apartado, es necesario saber cuál es la dirección general de la luz, que será nuestra guía para conseguir uniformar cada capa.

Existen tres parámetros necesarios para este fin: capas de ajuste e igualar color.

Capas de ajuste: Con ellas es posible adecuar la luminosidad y el color de manera no destructiva y variable siempre que sea necesario.

La primera a utilizar es la de  NIVELES:permite ajustar el claroscuro de la capa partiendo de un histograma donde se puede variar el origen de mayor y menor oscuridad.Lo ideal de este ajuste es utilizar la máscara de ajuste para poder seleccionar áreas especificas de la capa sin alterar todo el conjunto.La capas de ajuste están en el panel de capa, el icono circular(4 hacia la dercha).Aparecen varios tipos de ajuste, aunque para este proyecto solo utilizare Niveles y Equilibrio de color.Hay que tener en cuenta que si creamos una capa de ajuste afectará a todas las capas que estén debajo de ella, por lo que hay que crearla justo encima de la capa de interés y mantener presionado alt en la capa de ajuste seleccionada para que así sólo afecte a esa capa.

IGUALACION DE COLOR

Mediante una nueva capa de ajuste sobre la capa a trabajar seleccionamos la opción equilibrio de color, con ella podemos modificar mediante mezcla diferentes gradientes cromáticos para poder equiparar el color de diferentes capas.

Al igual que la capa de ajuste de Niveles, el equilibrio de color también tiene posibilidad de ser ajustado mediante una máscara de ajuste, con un pincel.Hay que recordar que la máscara sólo funciona usando un pincel ( tecla B)en color blanco para usar el relleno y negro para quitar el relleno de ajuste.

AJUSTE FINAL Y PARÁMETROS DE ILUMINACIÓN,TEXTURA.

Una vez hayamos encajado, recortado, escalado, y corregido la perspectiva de nuesto conjunto de imágenes, podemos crear una imagen general a partir de todo este resultado,para ellos usamos el comando Crtl/Cmd + alt +E .Esto nos creará una nueva capa encima de todas con toda la información recogida en una sola.

En ella podemos probar con diferentes ajustes de iluminación. Seleccionamos la nueva capa, vamos a FILTRO/Interpretar/efectos de iluminación.

Aquí ya tenemos diferentes parámetros individuales según la cantidad de focos de luz que se creen.

Para cada uno, hay distintos ajustes(color,contraluz,resplandor,metalizado,luz ambiente,etc).También hay la opción de seleccionar ajustes predeterminados y modificar los parámetros que ya aparecen en el panel de ajustes.Una vez se ha elegido la mejor combinación de opciones pulsamos el boton azul Ok y se nos guardarán los cambios de iluminación en nuestra capa general.Para que se acople al resto de capas sin que se interponga bruscamente, podemos bajar la opacidad a un 70% y probar con los modos de fusión.

Una vez se integrado la capa general con su efecto de luminancia, procedemos a integrar una textura que nos proporcionará un acabado más homogéneo y dará ese efecto gastado para que se asocie con la temática de paisaje antiguo.Yo he escogido una textura de desgastado en alta resolución y la he colocado en el documento escalándola hasta abarcar todo el formato.Posteriormente, he bajado la opacidad a un 60 %  y modo de fusión multiplicar.

Una vez aplicada la textura podemos ver la comparativa entre el grupo de capas y la agrupación con su capa general con una textura:

 

 

CONCLUSIONES

La técnica del Matte painting es un proceso muy técnico a la vez que inspirador.Es importante tener una idea general muy clara en el boceto que luego nos será de gran utilidad a la hora de componer con imágenes.En este proyecto he tenido ciertas dificultades para adaptar la perspectiva de algunas fotografías que no eran las correctas y tener que volver a buscar nuevas imágenes.

La parte más divertida sin duda ha sido la de seleccionar la imágenes para mi colección. La experiencia de ver todo lo que hay en el mundo real es a veces más interesante que los mundos fantásticos en los que se han basado los artistas para sus creaciones.

 

 

 

 

 

MATTE PAINTING: UNA REVISIÓN HISTÓRICA

Antecedentes

Ted_Withers , toma sobre vidrio pintado.Matte painting para película.

La pintura Matte es una de las técnicas más antiguas en la industria de efectos visuales y una de las técnicas más ampliamente aplicadas también. El concepto de pintura matte es simple: «Usa una o pocas pinturas para reemplazar un fondo». Aunque el concepto es muy simple, la técnica de la pintura mate es bastante hábil y exigente artísticamente porque las pinturas utilizadas para reemplazar el fondo deben ser realistas. suficiente y apoyar el estilo de la película para que el público pueda pensar que es un fondo real.

La pintura matte en mate se refiere a la sección de la imagen filmada que está bloqueada o enmarañada. Estas técnicas de bloqueo se han abandonado con la llegada de los efectos especiales digitales, pero durante casi 80 años se realizó un trabajo increíble con estas herramientas.

La forma más antigua de producir una pintura mate fue colocar una lámina de vidrio entre la cámara y la escena que se filmará. Un artista luego pintaría una imagen en el cristal que bloqueó y reemplazó esa parte de la escena. En lugar de construir un conjunto o acarrear en una cordillera, los elementos necesarios fueron pintados en el vidrio en el lugar.

Este enfoque presenta algunas desventajas serias. El artista y el camarógrafo estaban a merced de los elementos, interrumpidos por las cambiantes condiciones climáticas, las ráfagas de viento y el cambio de luz a lo largo del día. Además, el disparo no siempre se podía filmar cuando los actores y el director estaban listos: podía filmarse solo después de que el artista mate hubiera completado la pintura. Como consecuencia, el artista mate a menudo estaba bajo presión para producir el pintando rápidamente.

EL  MATTE ORIGINAL-NEGATIVO

Una segunda técnica para crear pinturas mate requería cortar una máscara negra, o mate, y colgarla frente a la cámara mientras se graba el metraje de la acción en vivo. Más tarde, de vuelta en el estudio, se colocó un solo cuadro del metraje en una cámara que se había bloqueado y asegurado para evitar cualquier vibración o movimiento. Se colocó una luz detrás de la lente para que la cámara actuase como cámara y proyector, y el marco de la película se proyectó sobre la superficie en la que pintó el artista mate. El artista oscureció las áreas en la pintura mate donde la película fue expuesta y pintada solo en las áreas enmarañadas de la exposición original. Se realizaron pruebas posteriores para garantizar una coincidencia perfecta entre la pintura y el metraje, y luego se realizó una segunda exposición para agregar la sección pintada a la película. La gran ventaja de esta técnica era que la escena podía filmarse cuando la producción estaba lista, ya que no requería que el artista mate completara la pintura en el acto. Usando esta técnica, la pintura podría completarse después de la filmación, a conveniencia del artista de  Matte painting.

LA RETROPROYECCIÓN PARA MATTE PAINTING

Una tercera forma de disparar un mate le permitió al director filmar el plato normalmente sin preocuparse por el mate, y agregar el mate y la pintura más tarde. La película se desarrolló normalmente, y luego el carrete se cargó en un proyector trasero. Se colocó una hoja de vidrio en un marco resistente en un soporte en frente del proyector trasero. Se colocó una lámina de material de proyección esmerilado en la parte posterior del vidrio que mira al proyector. El artista mate luego trazó el área donde se iba a agregar la pintura. Con las imágenes filmadas y pintadas alineadas, la pintura se ejecutó. El artista mate realizó varias pruebas fotografiadas desde una cámara en el lado opuesto del proyector para garantizar una coincidencia perfecta. Con la cámara y el proyector trasero cuidadosamente sincronizados, la escena fue filmada de nuevo, esta vez con la pintura bloqueando las áreas enmarañadas del metraje original.

El advenimiento de la imagen digital hizo que estas técnicas quedaran obsoletas. En el pasado, los mates estaban limitados por la tecnología disponible. La mayoría fueron creados con solo unos pocos elementos: a menudo solo el plato y la pintura. Hoy en día, la mayoría de las pinturas mate se realizan en Photoshop; abarca técnicas avanzadas de composición que nunca podrían haberse logrado sin computadoras. Con la composición digital, no es raro que una toma se cree a partir de cientos de elementos diferentes. Las ilustraciones bidimensionales ahora pueden combinarse con geometría 3D para producir mates que se mueven y cambian de perspectiva. Pero siempre recuerde que ya sea que se haya logrado con una cámara y un trozo de cristal o con el sistema informático más avanzado con el último software de composición, la toma mate comienza con las habilidades del artista que crea la ilusión de la realidad.

Matte painting realizado con Photoshop. Se agregan multiples capas para ajustar la luminosidad,color y proporciones.

Las limitaciones, ya sean financieras o físicas, son las culpables de la concepción de este género. Hace unos cien años, los estudios de cine no estaban dispuestos a desembolsar millones de dólares para rodar en ubicaciones exóticas remotas. Además de eso, sería imposible encontrar un lugar en la escena para filmar una película como Star Wars. Afortunadamente en 1905 un hombre llamado Norman Dawn desarrolló una técnica que unía una Fotografía y una Pintura para mejorar el entorno que está siendo fotografiado por la cámara (Wikipedia). Dawn, un fotógrafo en persona, tomó sus fotos y pinturas y las colocó sobre una gran hoja de vidrio. Luego se colocó cinta negra sobre las partes de la cámara donde iría la pintura. Después de que la cámara se posicionó correctamente, la escena de acción en vivo se llevaría a cabo. Lo que resultó fue una unión entre una pintura simple y un escenario real en vivo. A continuación puede ver algunas imágenes de las pinturas mates anteriores que se crearon.

Las primeras pinturas de Matte fueron creadas a mano o mezcladas con fotos; pero alrededor de 80 años después de la brillante idea de Dawn, llegó otro hito en la historia de los estilos. Con el avance de la computadora y sus programas surgió algo que ahora llamamos Pintura Digital. Este tipo de pintura dio a las imágenes un aspecto mucho más realista, y el pintor Chris Evans fue la primera persona en crear una pintura digital mate que se utilizaría en una película. En 1985 Evans mezcló una imagen escaneada con pintura digital para crear una escena ultra-realista que se colocó en la película Young Sherlock Holmes (Wikipedia). Esto allanó el camino para el tipo de pintura mate digital que vemos hoy. Algunas de las pinturas mates más notables vinieron de películas como Star Wars, El planeta de los simios, El mago de Oz, King Kong e Indiana Jones. A continuación se muestran algunas imágenes de las películas mencionadas.

Escena Matte painting para Star wars. 1980.

 

EL PRESENTE

Tomemos un pequeño desvío en nuestro viaje y dejemos de centrarnos en Matte Paintings en películas. Este género ha sido adoptado por muchos artistas que no necesariamente crean estas pinturas para su uso en películas. Matte Painting se ha convertido en el estilo característico de algunos diseñadores que prefieren hacer este tipo de ilustraciones sobre cualquier otra cosa. Dado que Internet es un sinfín de contenidos, los diseñadores pueden encontrar fácilmente cualquier fotografía de archivo que deseen integrar en una pintura mate. Las tabletas Wacom y Adobe Photoshop también otorgan infinitas posibilidades a los artistas cuando se trata de lo que pueden pintar.

Matte painting para El Señor De Los Anillos . Paisaje de la tierra de Mordor.

RECURSOS DIDÁCTICOS PARA APRENDER A CREAR UN MATTE PAINTING

La creación de un Matte painting integra varias disciplinas. Desde la creación de un boceto previo para orientar la composición, el peso de las luces y sombras, y el colorido a la selección de imágenes que conformarán la temática final.

Se requiere un conocimiento intermedio y avanzado de Photoshop y si es posible de modelado 3d con software específico( 3d max,maya,cinema 4d,zbrush,Blender,etc).

A continuación agrego una serie de enlaces para consultar tutoriales, bibliografía e imágenes sugerentes e inspiradoras:

LEARNSQUARED( TUTORIALES DE MATTE PAINTING EN YOUTUBE):

https://www.youtube.com/channel/UCat3IRxZSuUyxm_dnCWJQyA 

LEVELUP! ( TUTORIALES DE MATTE PAINTING EN YOUTUBE):

https://www.youtube.com/user/levelupsessions/videos

WEB DE RECURSOS PARA CREAR MATTE PAINTINGS:

http://mattepainting.org/

 

 

 

PROYECTO DE ILUSTRACIÓN EN PHOTOSHOP

INDICE

• 1) INTRODUCCIÓN.
• 2) CREACIÓN DE UN DOCUMENTO NUEVO EN PHOTOSHOP.
• 3) CREACIÓN DE PINCELES PERSONALIZADOS( Grafito,acuarela,pastel).
• 4) CREACIÓN DE MUESTRAS DE COLOR.
• 5) CREACIÓN DE HERRAMIENTAS PERSONALIZADAS.
• 6 )CREACIÓN DE UN GRUPO DE TEXTURAS.
• 7) COLOCACIÓN DE UN DIBUJO EN ESPACIO DE TRABAJO Y EXTRACCIÓN DE SU            CONTORNO A TRAVÉS DE CANALES.
• 8) CREACIÓN Y USO DE DIFERENTES CAPAS.COLOREADO Y CREACIÓN DE GRUPOS DE CAPA.
• 9) COLOCACIÓN DE TEXTURAS Y AGRUPAMIENTO.
• 10)COMÓ CREAR LUMINOSIDAD.CAPAS DE CLAROSCURO.
• 11) EXPORTACIÓN  FINAL Y FORMATOS DE DOCUMENTO.
  

  1.INTRODUCCIÓN

Photoshop es un excelente programa para ilustradores,fotógrafos,diseñadores o cualquier persona que quiera crear imágenes desde un ordenador.

A través de sus herramientas de edición, así como la organización de imágenes en diferentes capas, es posible controlar con detalle cada elemento que construye la imagen.

Como ejemplo a seguir, vamos a explicar el proceso de construcción paso a paso  de la ilustración de la imagen del encabezamiento de este post, con el que se pretende demostrar las capacidades de este programa.Previamente a colorear el dibujo, debemos crear una serie de elementos personalizados que serán las herramientas con las que luego daremos forma a la ilustración, ahorrando tiempo y ganando eficacia.

2. CREACIÓN DE UN NUEVO DOCUMENTO EN PHOTOSHOP.

Primero de todo hay que tener un espacio de trabajo para crear la ilustración.  Vamos a crear un nuevo documento en formato A4 a 300 ppp de resolución en modo RGB a 8 bits.Presionamos OK.Se creará como resultado una página blanca.

 

3.CREACIÓN DE PINCELES PERSONALIZADOS.

Antes de empezar a colorear el dibujo hay que tener presente el tipo de técnica que queremos utilizar, a veces hay materiales que nos dan un acabado más seco y que se prestan mejor para pintar suelos, o rocas. Las aguadas tienen buen resultado sobre los fondos y grandes masas de color.Los lápices pastel son mas versátiles por lo que se pueden usar para colorear grandes areas y también detalles sobre figuras.Una vez se ha decidido qué materiales serán los que queremos emplear en la ilustración, debemos emular su comportamiento a través de la creación de pinceles digitales que nos darán esos efectos sobre las diferentes partes de la composición(figura,fondo,escenario).

El primer paso es seleccionar la herramienta pincel (atajo de teclado, B),dentro del panel de herramientas en la parte izquierda del archivo; y probar con los múltiples tipos de pinceles del panel de muestras de pincel. Podemos observar que se nos presentan varios tamaños y medidas, con su dureza, opacidad,relleno,y comportamiento.

Una vez tenemos seleccionado un pincel de la lista, creamos una capa nueva sobre la que aplicaremos la pintura y nos fabricaremos nuestros propios pinceles personalizados.Para este proyecto clasificaremos nuestros pinceles personalizados en tres grupos: Aguadas,Grafito, Pastel.Cada uno de ellos tendrá cinco tipos de pincel. Seguramente no usaremos todos ellos, pero podremos tenerlos siempre a mano en cualquier momento gracias a que Photoshop puede almacenar varios de ellos en un archivo especial de extensión llamado  .Abr.Aquí  se enseña a crear un de ellos paso a paso.

CREACION DE UN  GRUPO DE PINCELES PERSONALIZADO y AGRUPACIÓN EN FORMATO ABR.

Existen dos maneras de crear pinceles personalizados:

1. Modificando los atributos de un pincel dentro de Photoshop y guardando los cambios en un pincel nuevo.
2. Cargando una imagen en photoshop y guardarla como un pincel.

Para poder editar todas las las propiedades de los pinceles seleccionamos el icono de pinceles al lado del desplegable del icono de seleccion de pincel.

 

Una vez nos aparece el panel de menu de edición,se pueden manipular los parámetros de comportamiento del pincel seleccionado, creando así un nuevo movimiento. Para este ejemplo usaremos un pincel redondo liso, con dureza media y lo convertiremos un un pincel de coloreado de bordes irregulares e intermitentes , modificando el parámetro de dispersión, y aumentándolo a un 53%.

Una vez tenemos el pincel con el nivel de dispersión adecuado, podemos guardar los cambios en el panel del menú, para ello seleccionamos la casilla desplegable en la esquina superior derecha.

 

En este caso tenemos que renombrar el nuevo pincel,  puede ser una palabra cualquiera,aunque lo ideal es que sea fácil de recordar para poderla localizar al momento de seleccionar los diferentes tipos de pinceles y agruparlos . 

Una vez tenemos el nombre del pincel podemos clicar OK y el pincel se nos guardará en un panel de muestras que almacena todos los pinceles que se usan en el programa.Para encontrar nuestro pincel en ese panel debemos seleccionar el segundo icono en la esquina inferior derecha del panel de edición de pinceles. Allí se nos abrirá el gestor de ajustes preestablecidos de pincel.Gracias a este nuevo panel, podemos seleccionar varios pinceles con la tecla CMD en Mac o Ctrl en Windows, y seleccionar la opción GUARDAR CONJUNTO. de esta manera todo el grupo quedara guardado en un fichero de muestras de pinceles personalizados. Podemos escoger la ubicación donde se guardará la muestra, en este caso he seleccionado la carpeta de la asignatura Medios Informáticos, y he nombrado «pinceles grafito » a la muestra:

Una vez guardadas la muestras se nos quedará un fichero con extensión .Abr, este contiene los pinceles seleccionados.

Para poder cargar la muestra con nuestro grupo de pinceles . tenemos que seleccionar el menu desplegable de pinceles en la esquina superior derecha, y seleccionar la opción «reemplazar pinceles». Se nos preguntará si queremos guardar ajustes actuales de los pinceles que se están utilizando,seleccionamos NO GUARDAR, para que solo se carguen los pinceles del grupo guardado anteriormente.

Así, seleccionamos el fichero PINCELES GRAFITO.ABR que habíamos guardado en la carpeta «medios informáticos» de nuestro disco duro y lo cargamos en el menú de pinceles.

De esta manera podemos utilizar  lo pinceles que usaremos para nuestro proyecto sin perdernos sobre todo el conjunto de opciones que hay  y así ahorrar tiempo.

 

4) CREACIÓN DE MUESTRAS DE COLOR

La composición de una ilustración depende en gran medida de los colores que se ubican en todo el formato, para ello es conveniente tener una idea previa de los colores que se emplearán y su distribución en los diferentes componentes de la imagen.

En Photoshop es fácil poder hacer una selección de colores afines y armonizados con los que trabajar.Existe una extensión online de Adobe llamada KULER que supone una gran ayuda en el caso de la elección de colores.En este apartado se explica como acceder a él y guardar las muestras en nuestro ordenador.

Para empezar, tenemos que suscribirnos  como usuarios a través del correo electrónico de Google en en la web de Adobe: https://color.adobe.com/es/create/color-wheel/. Una vez suscritos podemos seleccionar diferentes tipos de gamas cromáticas, y también buscar en el menú de plantillas preestablecidas por otros usuarios que han publicado sus propias muestras.

 

Una vez tenemos seleccionada una muestra de colores que nos interesen, podemos guadarla como archivo de muestra con extensión .ASE, que es el formato con el que kuler guarda las muestras de color en Photoshop.

Una vez guardada la muestra de colores ,podemos cargarla en photoshop para utilizarla en nuestro proyecto. Para ello seleccionamos el panel de MUESTRAS en el programa y seleccionamos el menuú desplegable en la esquina derecha del panel. Luego seleccionamos la opción CARGAR MUESTRAS, y buscamos la muestra en formato ASE que hemos descargado de la web de KULER .Se nos pedirá si queremos incluir las muestras al conjunto de colores que ya están en el panel de muestras o si lo queremos reemplazar totalmente por los colores que vienen en el archivo ASE. Para este caso reemplazaremos todos y solo nos quedaremos con los colores que hemos cargado.

En la imagen de arriba, nos aparece la opción de guardar las muestras junto con el resto de colores . Para reemplazar las muestras con el archivo ASE, debemos seleccionar la opción SUSTITUIR MUESTRAS. y seleccionar el archivo ASE en nuestro ordenador para cargarlo.

5) CREACIÓN DE HERRAMIENTAS PERSONALIZADAS

A veces  se hace necesario tener a mano un conjunto de herramientas para las que hay que tener una serie de características específicas.Photoshop nos ayuda a recolectar todas ellas y guardarlas en un conjunto para así poder recurrir a ellas en cualquier momento y en cualquier proyecto. Como ejemplo , usaremos y agruparemos un pincel y la herramienta cuentagotas en nuestro panel de herramientas preestablecidas.

Primero seleccionamos un pincel y le cambiamos la dureza a un 10%. Este pincel nos servirá para pintar áreas de color semitransparentes.

Seleccionamos el icono del pincelen la esquina superior izquierda, bajo el menú desplegable.Luego hacemos click sobre el icono en la esquina superior derecha y seleccionamos «nueva Herramienta preestablecida». Lo guardaremos con el nombre «pincel transparente» y le guardaremos el color de muestra.

Para guardar nuestro cuentagotas personalizado, debemos hacer un proceso similar.Buscamos icono Cuentagotas en el panel de herramientas y volvemos a seleccionar su icono en el menu desplegable de la esquina superior izquierda. Esta vez deseleccionamos la opción «mostrar aro de muestra».Luego creamos una nueva herramienta preestablecida llamada «cuentagotas sin aro».

Ahora  que ya tenemos nuestras dos herramientas creadas, debemos guardarlas como un conjunto autónomo con el que podamos cargar o reeditar cuando queramos. Para ello debemos visualizar todo el conjunto de herramientas preeestablecidas , en el menu desplegable del icono en la esquina superior derecha , en el panel de herramientas preestablecidas.

Las herramientas se guardan abriendo el gestor de ajustes preestablecidos de herramientas, y una vez hayamos localizados las herramientas que hemos guardado, las seleccionamos con CMD en Mac o CTRL en Windows presionado mientras clicamos sobre dichas herramientas. Seleccionamos la opción » guardar conjunto» para poder guardarlas en la ubicación de la carpeta» Medios Informáticos».

De esta manera crearemos un fichero de extensión .tpl con el que podremos trabajar en cualquier momento en cualquier proyecto de photoshop.

En la imagen de arriba se nos muestran ejemplos de conjuntos de herramientas guardadas en formato .tpl .

Para cargar estos conjuntos y al mismo tiempo reemplazar la lista de herramientas actuales, debemos seleccionar el icono circular derecho del panel de herramientas y escoger «sustituir herramientas preestablecidas». De esta manera, se nos borrarán todas la herramientas cardas previamente y sólo quedarán las que hayamos cargado.

Como se observa en la imagen de arriba, las herramientas de ajustes preestablecidos aparecen en la pestaña al lado del icono de la herramienta  que se haya seleccionado actualmente ( en este caso es un pincel en el panel de herramientas), una vez abierto, se selecciona el icono  circular a la derecha en forma de engranaje para escoger el gestor de ajustes y otras opciones de edición.

6) CREACIÓN DE UN GRUPO DE TEXTURAS

Ahora que ya se han configurados las herramientas y recursos más importantes para nuestra ilustración, debemos buscar imágenes que nos sirvan para dar mayor carácter y expresividad visual al proyecto. En este caso debemos tener en cuenta la resolución de estas imágenes para que no hayan incompatibilidad con la del documento de trabajo. Siempre buscaremos la mejor calidad posible, tanto en tamaño, color, resolución, color y formato.Las imágenes que se adjuntan se han descargado de la asignatura de Medios informáticos, tienen una calidad muy alta y está en formato RAW. Para esta exposición se ha bajado su calidad y tamaño.

7) CREACIÓN DE UN DIBUJO EN EL ESPACIO DE TRABAJO Y EXTRACCIÓN DE SU CONTORNO A TRAVÉS DE CANALES DE SELECCIÓN.

Una vez se han guardado las muestras, herramientas , pinceles y texturas, debemos tratar la imagen con la que luego vamos a colorear y aplicar luces y sombras a traves de capas y grupos de capa.

Empezaremos con colocar la Imagen del dibujo en nuestro documento A4 con la opción de teclado  CMD/CTRL + ç ( colocar imagen…), y seleccionamos el dibujo desde nuestro directorio.

Una vez tenemos el dibujo cargado en el documento, tenemos que cambiarle el formato y ponerlo en escala de grises.

Para el primer paso vamos a Archivo> Guardar como> formato TIFF.

Para cambiar a escala de grises vamos a Imagen> modo> escala de grises.

Una vez ya tenemos estos cambios hecho, podemos dar mayor contraste a la imagen para que el contorno del dibujo quede lo más negro posible y el fondo del papel lo más blanco posible.

Para ello debemos utilizar dos herramientas de ajuste de contraste y brillo, que se encuentran en el menú Imagen. estas son Brillo/ contraste y Niveles.

Con el ajuste de niveles podemos cambiar el comportamiento de la cantidad de blanco ,gris y negro en la imagen. reduciendo el campo de actuación de las zonas más claras y más oscuras, gracias a los deslizadores en los extremos izquierdo,central y derecho del menu de edición.Una vez que hayamos ajustado el dibuo a su máximo de negro en el contorno y a su máximo de blanco en el fondo, clicamos OK.

 

Ahora debemos empezar a editar la capa del dibujo para extraer el negro de la figura y eliminar el fondo blanco.

Para ello seleccionamos la capa entera del dibujo con CMD/CRTL +A y luego hacemos una copia de ella con CMD/CTRL +C .

Una vez tenemos la copia nos dirigimos al panel de CANALES, al lado del panel CAPAS. Creamos un nuevo CANAL.

Ahora pegamos la capa del dibujo en el canal que hemos creado usando el comando CMD/CTRL + V.

Cuando se haya pegado la capa dentro del canal, seleccionamos el icono del círculo discontinuo en la esquina inferior izquierda del panel Canales.Con ellos crearemos una selección hecha por el canal, cogiendo los contornos del dibujo de una manera muy precisa.

Ahora cambiaremos la vista al panel CAPAS y creamos una capa nueva.

Vamos al Panel SELECCIÓN> INVERTIR SELECCIÓN.

Una vez esta hecha la selección invertida , rellenaremos la capa de color blanco, mediante el comando CMD+ RETURN.

En esta imagen se ha hecho el relleno de blanco y se ha desactivado el icono de visualización de la capa de dibujo  para comprobar que el relleno de blanco se ha realizado con éxito.

8) CREACIÓN Y USO DE DIFERENTES CAPAS.COLOREADO.CREACIÓN DE GRUPOS DE CAPAS.

Una vez hayamos rellenado la capa con color blanco, cambiamos de nuevo el modo de color de escala de grises a rgb : IMAGEN>MODO>RGB.Seleccionamos NO ACOPLAR en el menú de opciones de fusión que nos aparece cuando seleccionamos el modo de color.Ahora tenemos una capa con la que sólo hay un dibujo de contorno negro y el fondo transparente. La idea detrás de esta técnica es de poder controlar el uso del color de las diferentes partes del dibujo si tener que manchar y emborronar la capa en la que se encuentra éste.Para ello crearemos diferentes capas según la zona de color que queramos pintar. Para esta ilustración se han creado también grupos en el panel CAPAS. Los grupos sirven para organizar y jerarquizar las capas según secciones,ya sean de Areas de color, iluminación,texto,fusión de capas, degradados,etc.Para crear un grupo seleccionamos el tercer icono de la parte inferior del panel capas.Una vez creado ,podemos arrastrar capas hacia dentro del grupo. En este proyecto, cada grupo se ha renombrado(haciendo doble click sobre el texto de nombre de grupo en el panel de capas).Cada grupo corresponde con areas de color del dibujo: Figura,fondo,Grafito,texturas e iluminación( este grupo será descrito en el apartado 10.).

Para el cuerpo de la figura se han creado varias capas , cada una de ellas es unaparte del cuerpo y de la vestimenta, de esta manera todos los colores se pintan sin que se mezclen unos con otros. He usado un pincel de relleno plano,haciendo contornos de selección por cada parte del cuerpo y ropa. Con este método también he ido cubriendo el fondo.

Una vez coloreada la figura, se procede a pintar el fondo. También se sigue el método de crear capas dentro de un grupo con nombres para casa parte del escenario( suelo,pared, listones ,enchufe,cielo).

9) COLOCACIÓN DE TEXTURAS Y AGRUPAMIENTO.

Una vez hayamos coloreado todo el dibujo, con su capas separadas y organizadas en grupos, podemos insertar las imágenes de texturas para dar mayor expresividad y realismo a la imagen.Previamente a todo, creamos un grupo nuevo llamado TEXTURAS y dentro de el insertaremos las texturas como si fueran capas nuevas.

Para insertar la textura, vamos a Archivo>colocar y seleccionamos la imagen con la textura en carpeta donde se encuentre. Presionamos Abrir para colocarla y luego presionamos ENTER para confirmar su colocación en el documento.

Ajustamos la textura dentro del documento para que calce adecuadamente según nuestro propósito estético y compositivo.

Una vez se ha colocado como queremos, seleccionamos el modo de fusión de capa LUZ FUERTE y bajamos la opacidad de la capa a un 20 %.Aíi obtendremos un sutil entrelazado de imagen donde la figura , el fondo y el contorno del dibujo se unen de manera natural y  con mayor homogeneidad.

 

Otra vez ,insertamos la segunda textura, esta vez se trata de un fondo de papael de acuarela bien rugoso y con cierto grosor. Procedemos igual que con la primera textura.

Asi queda entonces  el resultado de las dos texturas con modos de fusión y nivel de opacidad diferentes.

10) CÓMO CREAR LUMINOSIDAD.CAPAS DE CLAROSCURO.

Una vez tenemos todo coloreado y con texturas, es hora de enfatizar con mayor contraste las zonas donde se percibe necesaria mayor luminosidad y otras donde predominan las sombras.Para ello se deben crear unas capas especiales que usaremos para ajustar esos claroscuros.

Crearemos un Grupo en el panel capas llamado iluminación. En el Grupo creamos dos capas  . Una se llamará luces y la otra sombras.

Tanto en la capa Luces como en la de Sombras, debemos crear un relleno gris 50% neutro. Lo hacemos con el comando Rellenar y la opción 50% gris.

En ambas capas debemos cambiar el modo de fusión de capa a SUPERPONER.Esot creará una capa aparentemente invisible. La clave radica en que si usamos un pincel duro al 15% de opacidad y flujo también al 15%,  con color de fondo del panel de color NEGRO, podemos sutilmente añadir sombreados que usan el color actual de la capa donde actúa el pincel, aprovechando esa información de color sobre la capa invisible gris.Para la capa de Luces, se usará un pincel plano y duro, con poco flujo y opacidad,solo que en este caso el color de base será BLANCO.

11)EXPORTACIÓN DEL DOCUMENTO Y SUS FORMATOS DE SALIDA.

Una vez tenemos terminada la imagen debemos guardarla.Existen diferentes formatos que dependen del soporte donde aparecerá la imagen.

Para impresión se suele guardar el archivo en formato TIFF, ya que tiene buena respuesta a la fidelidad de los colores usados en el ordenador y mantiene las capas del archivo original.La resolución debe ser la más alta posible,sobre los 300 ppp.

La imagen para su uso en Internet puede ser de menor resolución.  El formato PNG es muy ligero y mantiene la transparencia en las zonas de ausencia de color. Puede abrirse en cualquier plataforma y tiene menos pérdida que JPG.Se puede guardar a 72 ppp, si se usará para  Internet u otros medios informáticos sin que haga falta imprimirse.

En este caso  hay que asegurarse que el tamaño de imagen es el correcto. Iremos a IMAGEN>tamaño de Imagen y comprobaremos el tamaño del documento y su resolución.

Una vez se haya comprobado,usaremos el comando Archivo >guardar como..> TIFF

Una vez este todo comprobado, podemos guardar el archivo con las opciones activadas por defecto en el panel de «Guardar como», seleccionando la ubicación hacia donde irá a parar el archivo.

Ya se da por finalizado el proyecto. Espero que haya sido de utilidad y en cualquier caso de duda o consulta, se puede enviar un correo a jordioyarzunlopez@gmail.com para resolver cualquier asunto relacionado con el procedimiento.Un saludo.